El teatro físico: un tejido de diferentes lenguajes

Juan Fernando Vanegas, director de la compañía El Pulpo Teatro Físico

Imagen cortesía de Juan Fernando Vanegas.

La temporada de calor en Medellín ocurre de manera intermitente, si en el día sale el sol puede esperarse que en cualquier momento llegue el aguacero. Así de impredecible estuvo uno de los viernes de agosto en los que entrevisté a Juan Fernando Vanegas, director de la Compañía El Pulpo Teatro Físico, con quien me encontré a eso de las 5 de la tarde en la sala de la Biblioteca Pública Piloto y a quien saludé bajo el bochorno de una calurosa tarde. A Juan el calor no pareció afectarle tanto como a mí, él se sentó tranquilo y esperó a que le contara por qué quería hacerle una entrevista. Aunque no le respondí de inmediato, pues imaginé que la conversación nos daría una respuesta sobre eso, o por lo menos ese era uno de los objetivos, iniciamos una conversación que transcurrió entre preguntas y respuestas desde la imagen, las palabras, los videos y las reflexiones hechas con anterioridad sobre un tema que a ambos nos convoca con cierta curiosidad: la danza y el teatro.

Juan Fernando Vanegas es el creador de la Compañía El Pulpo Teatro Físico de la ciudad de Medellín, es maestro en arte dramático y candidato a magister en Dramaturgia y Dirección de la Universidad de Antioquia. Su formación inició en la Escuela del Teatro Popular de Medellín donde además de haber sido alumno y actor por 10 años, también se desempeñó como profesor en la línea del cuerpo y la expresión corporal. Actualmente es profesor de la Universidad de Antioquia y se encuentra trabajando en su próxima obra, una adaptación al teatro físico de la clásica historia de Pinocho.

¿Cómo se relaciona la danza y el teatro en la propuesta creativa y pedagógica de El Pulpo Teatro Físico?

El Pulpo siempre se ha considerado como primo hermano de la danza, sin embargo eso nos ha llevado a la pregunta ¿cuál danza?, si en realidad no es con un género en específico, por esa razón Nos referimos a la danza como un tejido se construye el actor bailarín en el marco del acontecimiento escénico. No obedecemos a ninguna convención de género, no se funda nuestra danza ni en la forma del contemporáneo, moderno o demás, nos referimos a la danza, como diría Meyerhold, uno de nuestras grandes influencias, “La danza como el movimiento del cuerpo en la esfera del ritmo. Así mismo ocurre en el teatro, el actor se mueve en un tiempo y en un espacio específico con unos recursos que ha logrado en el entrenamiento; con ese movimiento generamos el vínculo con el espectador, a través de una plástica corporal particular, por ejemplo Esperpentos tiene un texto pero podríamos jugar a que no lo tiene y ver como el gesto y el movimiento se encargan de mostrarnos aun en su lenguaje particular que allí sucede una situación tan sencilla y cotidiana como una entrevista de trabajo, tema de la obra. Y esto gracias al valor y desarrollo que damos a la plástica corporal, encargada, a partir de su diseño de narrarnos lo que allí pasa.

¿De dónde viene el nombre El Pulpo- Teatro Físico?

En la universidad afiancé el hecho de asumir el cuerpo como herramienta privilegiada del teatro y con eso comencé a pensar en una compañía teatral que pensara en desarrollar una relación directa con el cuerpo. Después de dejar evolucionar el proyecto de compañía llegó el nombre para especificar dos cosas: la primera es la inteligencia del cuerpo de un pulpo que es dúctil, hábil, fuerte y la segunda es ubicar al teatro físico para nombrar una forma teatral que se basa en la plasticidad del cuerpo como medio de comunicación.

El Pulpo Teatro Físico.

El Pulpo como compañía tiene hasta ahora dos líneas: una de creación (que en este momento se encuentran en la creación de su segundo espectáculo), y otra de formación (llamados El Pulpo Laboratorio que tiene como propósito el estudio del movimiento escénico y la formación del actor bailarín), hasta ahora llevamos aproximadamente 7 talleres que vienen o de la danza o del teatro y que tienen como propósito brindar ampliar los recursos expresivos y técnicos del actor bailarín. Los laboratorios hasta ahora no son permanentes, sin embargo hace parte del plan a futuro de la compañía generar una escuela de formación continua en teatro físico para el actor bailarín. Hasta el momento El Pulpo lleva 5 años de funcionamiento.

Por otra parte es importante destacar que como compañía trabajamos con un elenco interdisciplinar: que cuenta con actores bailarines y un equipo creativo y de producción conformado por una diseñadora de vestuario, un compositor, un diseñador de iluminación y un asesor en dramaturgia, quien es el primer encargado de la dramaturgia del próximo espectáculo. bailarines, vestuaristas, compositores, diseñadores de iluminación, productores de maquillaje, entre otros.

¿La dirección te ha hecho tomar distancia de la escena?

Ahora estar actuando o bailando en el escenario no es lo que más me llama la atención, disfruto mucho más el diseño, la creación y la producción de la obra. Quizá más adelante. Comparo el ejercicio de la dirección con la docencia, por ejemplo, una de las virtudes que me permite enseñar es mantenerme entrenado, porque no soy un profesor que se separe de la práctica, me gusta explorar y trabajar con mis estudiantes desde una relación más horizontal. Lo mismo me pasa con la dirección, soy un director que atraviesa la experiencia con el elenco, me gusta entrar y salir de la exploración, me permite estar activo y no quedarme del lado “teórico” o solo en el roll de quien observa y toma nota. Me gusta ser quien teje los elementos, el ojo externo. Me gusta ser el director pedagogo que significa tener una idea y buscar las herramientas para llegar a dar forma a esta.

¿Cómo es la metodología creativa de El Pulpo?

El funcionamiento metodológico creativo de El Pulpo ocurre cuando hay una idea de creación y por ende un proceso de laboratorio. Es decir cada proceso creativo trae consigo la necesidad de un nuevo laboratorio, en el que construir lo que llamamos Galería de Recursos para puesta en escena. Este laboratorio se construye entonces basado en los imaginarios primeros de la obra a crear. En este proceso reunimos entonces las herramientas técnicas que intuimos que darán forma a la plástica corporal en que se fundamentará la pieza, si no encontramos estos recursos entre los artistas del elenco, invitamos a algún maestro que nos pueda permitir vivir la experiencia y conocer los principios básico de alguna técnica. Posterior al estudio de estas herramientas técnicas, pasamos a la exploración e improvisación con el material. Con el material que consideramos destacado construimos las primeras combinaciones o “estudios” como solemos llamarlo, Estos estudios, basados entonces en la idea de la obra o tema son construidos y ejecutados en colectivo, con el fin de que todos podamos participar de la creación de la plástica y vivir la experiencia. Posteriormente se empieza a usar este material en las improvisaciones y acciones dramáticas. Es increíble ver como el mismo movimiento nos va llevando a estas, el movimiento empieza a develar cosas. Para la idea de creación propongo como director una experiencia y el propósito es atravesarla en conjunto, de allí se comienza a transformar entre todos.

Concibo la escritura de la dramaturgia como un texto que incluye todo, desde la entrada del público hasta los aplausos, pasando por relato, los diálogos si los hay, acciones físicas destacadas, protocolos para puesta en escena, motores para la música y demás elementos de la puesta en escena.

En este sentido, lo interesante de las creaciones es que cada una propone una metodología diferente. En Esperpentos o la suerte de X333 por ejemplo (obra ganadora de la Beca de Creación de Teatro de Sala 2017 de la Alcaldía de Medellín), funcionó a partir del texto de Harold Pinter, eso generó unos movimientos y unas situaciones específicas que dieron un carácter y juegos escénicos a cada personaje. En el segundo montaje estamos partiendo del movimiento sin tener una estructura dramática o relato, el movimiento en este caso es el de una marioneta con diferentes emociones, sensaciones, acciones específicas. Sí considero que una de las herramientas claves para la construcción de las obras es la repetición, pues el reto está en que estas formas corporales trasciendan al acontecimiento dramático, que la técnica desaparezca y prime el acto poético. Esta es la clave para que el movimiento cobre sentido cada vez que se realiza; considero también que cada puesta en escena es una aventura, uno tiene un plan de la aventura, no del resultado y eso es lo que se construye cada vez de manera distinta.

Tras la experiencia de Esperpentos ¿consideras que el texto tiene un peso especial en la puesta en escena del Teatro Físico?

Lo especial del texto es que en el teatro físico el texto no es más importante que ningún otro elemento, es un elemento más que permite al acontecimiento expresarse, lo que buscamos en la escena es el despliegue de la plástica corporal que comunica. En el teatro físico la responsabilidad narrativa no recae en el texto, podría estar o no estar, lo que sabemos es que la responsabilidad está en las posibilidades del cuerpo.

Llamamos plástica escénica, basados en Meyerhold, al diseño de los movimientos del cuerpo en el espacio, la capacidad del cuerpo de narrar: sea desde el gesto cotidiano, de la abstracción, de lo poético, etc. El texto que se dice no es de donde se parte, se parte de la dramaturgia que nace en la “escritura” del cuerpo en el espacio y esto nos hace primos de la danza.

A diferencia del teatro naturalista, el teatro físico construye unos personajes que no parten necesariamente de la psicología, es decir no parte del pensamiento o personalidad, sino que se construye a partir del diseño de movimiento de acuerdo con las características o situaciones que atraviesa cada uno. La personificación se da a partir de las acciones, calidades o situaciones de movimiento, lo cual recae en parte en una hermandad con la danza.

¿Entonces el uso de la voz aleja el teatro físico del teatro convencional?

Finalmente toda forma teatral es convencional, es decir construye unas convenciones junto con el espectador … No lo distancia precisamente, pero es característico del teatro físico que no base el desarrollo de la acción solo en el uso de la palabra y la acción físico como apoyo de esta. En el teatro físico la palabra podría estar o no, podría estar. Se usa también en ocasiones la palabra como juego entre el contenido y la forma

Si Pinocho no tiene texto ¿cómo sabemos si es teatro físico y no danza? ¿Cómo diferenciar ese límite entre el teatro físico y la danza?

En eso me encuentro trabajando, lo primero que visualizo es que no es precisamente la danza de donde vengo. Construyo las convenciones a partir de recursos teatrales. Es un teatro que se sustenta en el movimiento escénico y plástica corporal, un comportamiento físico que no nace precisamente de los géneros de la danza, y aunque se fundamente en el cuerpo, y sus amplias posibilidades plásticas considera estructuras dramáticas tomadas del teatro. El teatro físico y la danza se encuentran en muchas cosas, por eso digo que somos primos, aun así algunos autores lo han separado y comprenden que el teatro físico no tiene ninguna relación con la danza dado que, según sus experiencias, ambas disciplinas tienen búsquedas distintas. Para mí no es así, hay una sutil línea que nos separa y quizás sea la forma de abordar el acontecimiento, la forma de narrar la dramaturgia. A diferencia de la danza, No es solo en la abstracción de la emoción o situación el medio por el cual se expresa, pues el espectador puede ver y discernir la especificidad del gesto o de la situación que se plantea. Creo que tenemos gestos danzados, una dilatación del gesto. Creo que también la danza podría tratar eso, pero en esta experiencia particular parto del teatro. El teatro físico incluye pantomima, danza teatro, teatro de objeto, etc., eso nos permite enmarcar la investigación. Los orígenes nos van a enmarcar el territorio y nos permitirán observar el límite entre ambas disciplinas.

Ahora bien, como reto también está romper esas barreras y disolver esa frontera porque lo interesante del teatro contemporáneo es eso, la ruptura y desaparición de los límites. A la larga en las artes escénicas a uno le preocupa cada vez menos saber qué es eso que ve, en qué casilla está, si actúan, cantan o bailan, por eso hablamos ahora de artes escénicas, para verlo como conjunto y de manera transversal. Ahora vemos un tejido de diferentes lenguajes. Observo que finalmente lo transversal como metodología de trabajo es muy importante y que sin desaparecer la danza ni el teatro, lo que se hace es abrir un espacio al encuentro.

¿Realizas registros del trabajo, de estudios, ensayos, funciones?

Sí hay un registro, de improvisaciones, de funciones, de los estudios, siempre lo registro en su proceso para ver la evolución. Las funciones también se registran para tomarla como punto de partida para la próxima función, con el fin de que el espectáculo no vaya hacia atrás.

¿Los actores bailarines de El Pulpo tienen un rol más allá del ser intérpretes?

Son actores bailarines que crean. El primer espectáculo que hicimos, partimos de una dramaturgia que contenía una amplia descripción de acciones físicas, sin embargo eran ellos quienes basados en las premisas del movimiento, daban formas al comportamiento físico en la acción dramática.. La creación está en el trabajo de cada uno mas no en la estructura general del espectáculo, soy yo quien en ese caso proponía el relato, su trabajo es interpretar y crear con las premisas de dirección. En este nuevo proceso los actores bailarines ha tenido una participación más activa, pues la dramaturgia escénica está partiendo del material de movimiento e improvisaciones que ofrecen ellos, como decía antes, una dramaturgia que nace en la escritura del cuerpo en el espacio. En esta medida podríamos decir que su rol va mucho más allá de la interpretación de un material pre diseñado. El director no es quien sabe más que los otros, ser el director es tener el rol de dar unidad a las cosas, de cohesionar, de tejer y mantener la mirada externa y fría.

¿Qué dificultades has encontrado en crear?

El Pulpo aun es un proyecto joven, donde cada uno de sus integrantes tiene diversas actividades creativas y laborales alternas, entonces el tiempo es determinante. La disponibilidad es compleja y se relaciona con los presupuestos. Sería ideal tener un contrato con la compañía y poder dedicarse mucho tiempo a ello pero la sostenibilidad no es tan sencilla.

¿Cómo ve El Pulpo a Medellín?

El movimiento es el medio para hablar de un contexto, de un mundo, de una sociedad que vulnera la vida, nos interesa hablar de los valores que fortalecen la sociedad, nos interesan las paradojas pensadas como una contradicción vital Que toma cuerpo en el espacio escénico, nos interesa hablar del respeto, nos interesa hablar de la diversidad, nos interesa hablar de que todavía es posible tener una vida mejor. Son temas cotidianos, se vive día tras día, lo que nos caracteriza es la forma en la que nos expresamos pero hablamos de lo que acontece en una cotidianidad violenta. Por otro lado no deja de ser menos importante el sentido, no solo es el movimiento lo que buscamos, también hay una búsqueda sobre qué es lo que queremos expresar más allá del movimiento, la técnica o la forma; este no es el único objetivo, también hay un tema, un sentido es eso lo que moviliza esa forma. De Esperpentos por ejemplo, nos interesa poner en evidencia no solo unos personajes que se mueven de determinada manera en una situación, nos interesa compartir con el público una reflexión acerca de los sistemas de producción, la capitalización, la ciudad, las empresas que anulan al sujeto, todo esto es también es una reflexión contextual. El teatro es un entretenimiento complejo, nuestra postura es unir el arte, el entretenimiento y la reflexión.


“Ahora parto a una junta recreativa”, fueron las palabras de Juan para finalizar la conversación de un viernes de agosto a eso de las 7 de la noche. La entrevista duró alrededor de una hora y media, y como era de esperarse, en ese lapso de tiempo pasamos de un día soleado al bochorno generado por el aguacero de la tarde cuando toca el pavimento caliente. La lluvia fue la excusa para extender un poco más la conversación y observar algunos de los estudios que Juan Fernando tiene registrados. Me mostró con fascinación y orgullo cada uno de los videos que acompañan ahora su idea creativa de Pinocho y entre comentarios sobre la obra, las expectativas y el “mapa de aventuras” que Juan planea para crear, surgieron un par de reflexiones realizadas sobre las influencias de autores como Meyerhold, Etienne Decroux y Lecoq en el trabajo del teatro físico de El Pulpo. “Mi idea es que en el teatro, algo le pase al público” manifiesta Juan y por la seguridad de su afirmación, me arriesgo a pensar que es una de las premisas de trabajo que mantienen vigente la movida de El Pulpo por la ciudad.

Este es sin duda un pulpo activo y creo que vienen muchos más movimientos para ellos, la pregunta que me queda es ¿con cuál tentáculo nos sorprenderá más adelante?

*Esta entrevista ha sido modificada en algunos apartes a petición del entrevistado.

Juan Fernando Vanegas, director de la compañía El Pulpo Teatro Físico

Imagen cortesía de Juan Fernando Vanegas.

La temporada de calor en Medellín ocurre de manera intermitente, si en el día sale el sol puede esperarse que en cualquier momento llegue el aguacero. Así de impredecible estuvo uno de los viernes de agosto en los que entrevisté a Juan Fernando Vanegas, director de la Compañía El Pulpo Teatro Físico, con quien me encontré a eso de las 5 de la tarde en la sala de la Biblioteca Pública Piloto y a quien saludé bajo el bochorno de una calurosa tarde. A Juan el calor no pareció afectarle tanto como a mí, él se sentó tranquilo y esperó a que le contara por qué quería hacerle una entrevista. Aunque no le respondí de inmediato, pues imaginé que la conversación nos daría una respuesta sobre eso, o por lo menos ese era uno de los objetivos, iniciamos una conversación que transcurrió entre preguntas y respuestas desde la imagen, las palabras, los videos y las reflexiones hechas con anterioridad sobre un tema que a ambos nos convoca con cierta curiosidad: la danza y el teatro.

Juan Fernando Vanegas es el creador de la Compañía El Pulpo Teatro Físico de la ciudad de Medellín, es maestro en arte dramático y candidato a magister en Dramaturgia y Dirección de la Universidad de Antioquia. Su formación inició en la Escuela del Teatro Popular de Medellín donde además de haber sido alumno y actor por 10 años, también se desempeñó como profesor en la línea del cuerpo y la expresión corporal. Actualmente es profesor de la Universidad de Antioquia y se encuentra trabajando en su próxima obra, una adaptación al teatro físico de la clásica historia de Pinocho.

¿Cómo se relaciona la danza y el teatro en la propuesta creativa y pedagógica de El Pulpo Teatro Físico?

El Pulpo siempre se ha considerado como primo hermano de la danza, sin embargo eso nos ha llevado a la pregunta ¿cuál danza?, si en realidad no es con un género en específico, por esa razón Nos referimos a la danza como un tejido se construye el actor bailarín en el marco del acontecimiento escénico. No obedecemos a ninguna convención de género, no se funda nuestra danza ni en la forma del contemporáneo, moderno o demás, nos referimos a la danza, como diría Meyerhold, uno de nuestras grandes influencias, “La danza como el movimiento del cuerpo en la esfera del ritmo. Así mismo ocurre en el teatro, el actor se mueve en un tiempo y en un espacio específico con unos recursos que ha logrado en el entrenamiento; con ese movimiento generamos el vínculo con el espectador, a través de una plástica corporal particular, por ejemplo Esperpentos tiene un texto pero podríamos jugar a que no lo tiene y ver como el gesto y el movimiento se encargan de mostrarnos aun en su lenguaje particular que allí sucede una situación tan sencilla y cotidiana como una entrevista de trabajo, tema de la obra. Y esto gracias al valor y desarrollo que damos a la plástica corporal, encargada, a partir de su diseño de narrarnos lo que allí pasa.

¿De dónde viene el nombre El Pulpo- Teatro Físico?

En la universidad afiancé el hecho de asumir el cuerpo como herramienta privilegiada del teatro y con eso comencé a pensar en una compañía teatral que pensara en desarrollar una relación directa con el cuerpo. Después de dejar evolucionar el proyecto de compañía llegó el nombre para especificar dos cosas: la primera es la inteligencia del cuerpo de un pulpo que es dúctil, hábil, fuerte y la segunda es ubicar al teatro físico para nombrar una forma teatral que se basa en la plasticidad del cuerpo como medio de comunicación.

El Pulpo Teatro Físico.

El Pulpo como compañía tiene hasta ahora dos líneas: una de creación (que en este momento se encuentran en la creación de su segundo espectáculo), y otra de formación (llamados El Pulpo Laboratorio que tiene como propósito el estudio del movimiento escénico y la formación del actor bailarín), hasta ahora llevamos aproximadamente 7 talleres que vienen o de la danza o del teatro y que tienen como propósito brindar ampliar los recursos expresivos y técnicos del actor bailarín. Los laboratorios hasta ahora no son permanentes, sin embargo hace parte del plan a futuro de la compañía generar una escuela de formación continua en teatro físico para el actor bailarín. Hasta el momento El Pulpo lleva 5 años de funcionamiento.

Por otra parte es importante destacar que como compañía trabajamos con un elenco interdisciplinar: que cuenta con actores bailarines y un equipo creativo y de producción conformado por una diseñadora de vestuario, un compositor, un diseñador de iluminación y un asesor en dramaturgia, quien es el primer encargado de la dramaturgia del próximo espectáculo. bailarines, vestuaristas, compositores, diseñadores de iluminación, productores de maquillaje, entre otros.

¿La dirección te ha hecho tomar distancia de la escena?

Ahora estar actuando o bailando en el escenario no es lo que más me llama la atención, disfruto mucho más el diseño, la creación y la producción de la obra. Quizá más adelante. Comparo el ejercicio de la dirección con la docencia, por ejemplo, una de las virtudes que me permite enseñar es mantenerme entrenado, porque no soy un profesor que se separe de la práctica, me gusta explorar y trabajar con mis estudiantes desde una relación más horizontal. Lo mismo me pasa con la dirección, soy un director que atraviesa la experiencia con el elenco, me gusta entrar y salir de la exploración, me permite estar activo y no quedarme del lado “teórico” o solo en el roll de quien observa y toma nota. Me gusta ser quien teje los elementos, el ojo externo. Me gusta ser el director pedagogo que significa tener una idea y buscar las herramientas para llegar a dar forma a esta.

¿Cómo es la metodología creativa de El Pulpo?

El funcionamiento metodológico creativo de El Pulpo ocurre cuando hay una idea de creación y por ende un proceso de laboratorio. Es decir cada proceso creativo trae consigo la necesidad de un nuevo laboratorio, en el que construir lo que llamamos Galería de Recursos para puesta en escena. Este laboratorio se construye entonces basado en los imaginarios primeros de la obra a crear. En este proceso reunimos entonces las herramientas técnicas que intuimos que darán forma a la plástica corporal en que se fundamentará la pieza, si no encontramos estos recursos entre los artistas del elenco, invitamos a algún maestro que nos pueda permitir vivir la experiencia y conocer los principios básico de alguna técnica. Posterior al estudio de estas herramientas técnicas, pasamos a la exploración e improvisación con el material. Con el material que consideramos destacado construimos las primeras combinaciones o “estudios” como solemos llamarlo, Estos estudios, basados entonces en la idea de la obra o tema son construidos y ejecutados en colectivo, con el fin de que todos podamos participar de la creación de la plástica y vivir la experiencia. Posteriormente se empieza a usar este material en las improvisaciones y acciones dramáticas. Es increíble ver como el mismo movimiento nos va llevando a estas, el movimiento empieza a develar cosas. Para la idea de creación propongo como director una experiencia y el propósito es atravesarla en conjunto, de allí se comienza a transformar entre todos.

Concibo la escritura de la dramaturgia como un texto que incluye todo, desde la entrada del público hasta los aplausos, pasando por relato, los diálogos si los hay, acciones físicas destacadas, protocolos para puesta en escena, motores para la música y demás elementos de la puesta en escena.

En este sentido, lo interesante de las creaciones es que cada una propone una metodología diferente. En Esperpentos o la suerte de X333 por ejemplo (obra ganadora de la Beca de Creación de Teatro de Sala 2017 de la Alcaldía de Medellín), funcionó a partir del texto de Harold Pinter, eso generó unos movimientos y unas situaciones específicas que dieron un carácter y juegos escénicos a cada personaje. En el segundo montaje estamos partiendo del movimiento sin tener una estructura dramática o relato, el movimiento en este caso es el de una marioneta con diferentes emociones, sensaciones, acciones específicas. Sí considero que una de las herramientas claves para la construcción de las obras es la repetición, pues el reto está en que estas formas corporales trasciendan al acontecimiento dramático, que la técnica desaparezca y prime el acto poético. Esta es la clave para que el movimiento cobre sentido cada vez que se realiza; considero también que cada puesta en escena es una aventura, uno tiene un plan de la aventura, no del resultado y eso es lo que se construye cada vez de manera distinta.

Tras la experiencia de Esperpentos ¿consideras que el texto tiene un peso especial en la puesta en escena del Teatro Físico?

Lo especial del texto es que en el teatro físico el texto no es más importante que ningún otro elemento, es un elemento más que permite al acontecimiento expresarse, lo que buscamos en la escena es el despliegue de la plástica corporal que comunica. En el teatro físico la responsabilidad narrativa no recae en el texto, podría estar o no estar, lo que sabemos es que la responsabilidad está en las posibilidades del cuerpo.

Llamamos plástica escénica, basados en Meyerhold, al diseño de los movimientos del cuerpo en el espacio, la capacidad del cuerpo de narrar: sea desde el gesto cotidiano, de la abstracción, de lo poético, etc. El texto que se dice no es de donde se parte, se parte de la dramaturgia que nace en la “escritura” del cuerpo en el espacio y esto nos hace primos de la danza.

A diferencia del teatro naturalista, el teatro físico construye unos personajes que no parten necesariamente de la psicología, es decir no parte del pensamiento o personalidad, sino que se construye a partir del diseño de movimiento de acuerdo con las características o situaciones que atraviesa cada uno. La personificación se da a partir de las acciones, calidades o situaciones de movimiento, lo cual recae en parte en una hermandad con la danza.

¿Entonces el uso de la voz aleja el teatro físico del teatro convencional?

Finalmente toda forma teatral es convencional, es decir construye unas convenciones junto con el espectador … No lo distancia precisamente, pero es característico del teatro físico que no base el desarrollo de la acción solo en el uso de la palabra y la acción físico como apoyo de esta. En el teatro físico la palabra podría estar o no, podría estar. Se usa también en ocasiones la palabra como juego entre el contenido y la forma

Si Pinocho no tiene texto ¿cómo sabemos si es teatro físico y no danza? ¿Cómo diferenciar ese límite entre el teatro físico y la danza?

En eso me encuentro trabajando, lo primero que visualizo es que no es precisamente la danza de donde vengo. Construyo las convenciones a partir de recursos teatrales. Es un teatro que se sustenta en el movimiento escénico y plástica corporal, un comportamiento físico que no nace precisamente de los géneros de la danza, y aunque se fundamente en el cuerpo, y sus amplias posibilidades plásticas considera estructuras dramáticas tomadas del teatro. El teatro físico y la danza se encuentran en muchas cosas, por eso digo que somos primos, aun así algunos autores lo han separado y comprenden que el teatro físico no tiene ninguna relación con la danza dado que, según sus experiencias, ambas disciplinas tienen búsquedas distintas. Para mí no es así, hay una sutil línea que nos separa y quizás sea la forma de abordar el acontecimiento, la forma de narrar la dramaturgia. A diferencia de la danza, No es solo en la abstracción de la emoción o situación el medio por el cual se expresa, pues el espectador puede ver y discernir la especificidad del gesto o de la situación que se plantea. Creo que tenemos gestos danzados, una dilatación del gesto. Creo que también la danza podría tratar eso, pero en esta experiencia particular parto del teatro. El teatro físico incluye pantomima, danza teatro, teatro de objeto, etc., eso nos permite enmarcar la investigación. Los orígenes nos van a enmarcar el territorio y nos permitirán observar el límite entre ambas disciplinas.

Ahora bien, como reto también está romper esas barreras y disolver esa frontera porque lo interesante del teatro contemporáneo es eso, la ruptura y desaparición de los límites. A la larga en las artes escénicas a uno le preocupa cada vez menos saber qué es eso que ve, en qué casilla está, si actúan, cantan o bailan, por eso hablamos ahora de artes escénicas, para verlo como conjunto y de manera transversal. Ahora vemos un tejido de diferentes lenguajes. Observo que finalmente lo transversal como metodología de trabajo es muy importante y que sin desaparecer la danza ni el teatro, lo que se hace es abrir un espacio al encuentro.

¿Realizas registros del trabajo, de estudios, ensayos, funciones?

Sí hay un registro, de improvisaciones, de funciones, de los estudios, siempre lo registro en su proceso para ver la evolución. Las funciones también se registran para tomarla como punto de partida para la próxima función, con el fin de que el espectáculo no vaya hacia atrás.

¿Los actores bailarines de El Pulpo tienen un rol más allá del ser intérpretes?

Son actores bailarines que crean. El primer espectáculo que hicimos, partimos de una dramaturgia que contenía una amplia descripción de acciones físicas, sin embargo eran ellos quienes basados en las premisas del movimiento, daban formas al comportamiento físico en la acción dramática.. La creación está en el trabajo de cada uno mas no en la estructura general del espectáculo, soy yo quien en ese caso proponía el relato, su trabajo es interpretar y crear con las premisas de dirección. En este nuevo proceso los actores bailarines ha tenido una participación más activa, pues la dramaturgia escénica está partiendo del material de movimiento e improvisaciones que ofrecen ellos, como decía antes, una dramaturgia que nace en la escritura del cuerpo en el espacio. En esta medida podríamos decir que su rol va mucho más allá de la interpretación de un material pre diseñado. El director no es quien sabe más que los otros, ser el director es tener el rol de dar unidad a las cosas, de cohesionar, de tejer y mantener la mirada externa y fría.

¿Qué dificultades has encontrado en crear?

El Pulpo aun es un proyecto joven, donde cada uno de sus integrantes tiene diversas actividades creativas y laborales alternas, entonces el tiempo es determinante. La disponibilidad es compleja y se relaciona con los presupuestos. Sería ideal tener un contrato con la compañía y poder dedicarse mucho tiempo a ello pero la sostenibilidad no es tan sencilla.

¿Cómo ve El Pulpo a Medellín?

El movimiento es el medio para hablar de un contexto, de un mundo, de una sociedad que vulnera la vida, nos interesa hablar de los valores que fortalecen la sociedad, nos interesan las paradojas pensadas como una contradicción vital Que toma cuerpo en el espacio escénico, nos interesa hablar del respeto, nos interesa hablar de la diversidad, nos interesa hablar de que todavía es posible tener una vida mejor. Son temas cotidianos, se vive día tras día, lo que nos caracteriza es la forma en la que nos expresamos pero hablamos de lo que acontece en una cotidianidad violenta. Por otro lado no deja de ser menos importante el sentido, no solo es el movimiento lo que buscamos, también hay una búsqueda sobre qué es lo que queremos expresar más allá del movimiento, la técnica o la forma; este no es el único objetivo, también hay un tema, un sentido es eso lo que moviliza esa forma. De Esperpentos por ejemplo, nos interesa poner en evidencia no solo unos personajes que se mueven de determinada manera en una situación, nos interesa compartir con el público una reflexión acerca de los sistemas de producción, la capitalización, la ciudad, las empresas que anulan al sujeto, todo esto es también es una reflexión contextual. El teatro es un entretenimiento complejo, nuestra postura es unir el arte, el entretenimiento y la reflexión.


“Ahora parto a una junta recreativa”, fueron las palabras de Juan para finalizar la conversación de un viernes de agosto a eso de las 7 de la noche. La entrevista duró alrededor de una hora y media, y como era de esperarse, en ese lapso de tiempo pasamos de un día soleado al bochorno generado por el aguacero de la tarde cuando toca el pavimento caliente. La lluvia fue la excusa para extender un poco más la conversación y observar algunos de los estudios que Juan Fernando tiene registrados. Me mostró con fascinación y orgullo cada uno de los videos que acompañan ahora su idea creativa de Pinocho y entre comentarios sobre la obra, las expectativas y el “mapa de aventuras” que Juan planea para crear, surgieron un par de reflexiones realizadas sobre las influencias de autores como Meyerhold, Etienne Decroux y Lecoq en el trabajo del teatro físico de El Pulpo. “Mi idea es que en el teatro, algo le pase al público” manifiesta Juan y por la seguridad de su afirmación, me arriesgo a pensar que es una de las premisas de trabajo que mantienen vigente la movida de El Pulpo por la ciudad.

Este es sin duda un pulpo activo y creo que vienen muchos más movimientos para ellos, la pregunta que me queda es ¿con cuál tentáculo nos sorprenderá más adelante?

*Esta entrevista ha sido modificada en algunos apartes a petición del entrevistado.

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Revista Paso al Paso, 2020. ISSN: 2711-4783 (En línea)

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